BARROCO
Este período de revolución artística se manifestó en los campos de la escultura, arquitectura, literatura, arte y música en la mayoría de los países europeos y americanos (no olvidemos que América se encontraba recientemente colonizada por los españoles, portugueses e ingleses).
Los motivos del surgimiento de esta nueva manifestación se dieron por varios factores, especialmente relacionados con el mayor exponente de la iglesia católica: el Vaticano. Éste se encontraba bajo duras críticas por parte de diversos sectores, que cuestionaban sus actos de corrupción, la reforma protestante estaba haciéndose sentir, cuestionando a la iglesia católica con la existencia de la virginidad de María y la autoridad del Papa, factores que debilitaban profundamente el poder del clero.
Por otro lado, España, Portugal e Inglaterra se encontraban echando raíces en los nuevos países americanos, ganando tierras y extendiéndose hacia el nuevo mundo, dejando a Italia bajo las sombras de la corrupción y el olvido. Esto generó en el Vaticano una gran reivindicación de la cual surgieron nuevas pautas a la hora de realizar una obra artística, con motivo de generar una suerte de marketing a la iglesia, recordando directa o indirectamente, cuáles eran las bases de la casa de Dios, mediante un control ideológico manifestado por el arte.
Fue así como surgió el refuerzo de la imagen de María y el misterio de la Trinidad como protagonistas de numerosas obras artísticas. Las temáticas de los lienzos ya no fueron sobre alegorías sobre las antiguas mitologías, la ostentación de los santos y paisajes celestiales inalcanzables. Los santos ahora vestían harapos andrajosos, los mártires mostraban expresiones de dolor bajo un acertado dramatismo que emocionaban al espectador, y la imagen de la Sagrada Familia, y en especial, la de María, eran delicadamente glorificadas. Paralelamente, también nace el arte temático de naturalezas muertas, como bodegones, paisajes, e incluso costumbristas (con solo ver la imagen de Vieja friendo huevos, de Velázquez podremos darnos una idea de lo que esto significaba). Una nueva pauta que se diferenció del renacimiento, fue que ya los rostros de los bellos modelos desaparecieron, dando lugar a expresiones naturales, resultándonos hoy en día hasta un poco chocantes.MANIERISMO
Estilo artístico que sigue al Cinquecento y que ocupa las décadas centrales y finales del siglo XVI. Fechas significativas como las muertes de Leonardo (1519) y Rafael (1520), dos de las grandes figuras del Cinquecento, se toman como inicio de este nuevo estilo, aunque también se le relaciona con el Saco de Roma en 1527 o incluso la ruptura religiosa que su supuso la aparición del protestantismo.
Término que ha tenido cierto sentido peyorativo y que surge de la definición que críticos del siglo XVII dan de los pintores que buscan la perfección a la "maniera" de los grandes maestros del Renacimiento.
Características
Se caracteriza, en su estado más puro, por composiciones en las que se rompe el equilibrio, líneas diagonales quebradas, espacios inestables, estilizamiento de los cuerpos, con cabezas pequeñas y extremidades desproporcionadas, que ocupan todo el cuadro y que contrastan con otras pequeñas figuras en la lejanía, audaces escorzos. Gusta la línea enroscada, los colores de tintas discordantes y efectos extraños de luz. Los paisajes son irreales.
La escultura
Algunos de los grandes representantes de la escultura manierista son Benvenuto Cellini, Juan de Bolonia y la Familia Leoni.
La Arquitectura
En la arquitectura manierista, los edificios pierden la claridad de composición y pierden solemnidad con respecto al clasicismo pleno.En los edificios se multiplican los elementos arquitectónicos, auque no cumplen una función arquitectónica.La decoración gusta por compartimentar las fachadas de los edificios.
Juan de Bolonia
Juan de Bolonia es uno de los más característicos representantes del manierismo.
Algunas de sus obras son:
- Estatua de Neptuno (en una plaza de Bolonia.)
Neptuno, desnudo, es esculpido con proporciones monumentales.
- Rapto de la sabina
Es una clara muestra de la tendencia a la línea serpenteante del manierismo. Se trata de un famoso tema histórico de la antigua Roma. Los personajes están desnudos
- Mercurio
La figura desnuda de Mercurio está en un escorzo trazando, de nuevo, una línea serpenteante. Es una estatua de bronce.
Familia Leoni
Los Leoni (Leone y Pomepeo) pasaron su vida en la Corte de Felipe II. Algunas de sus obras fueron el Sepulcro de Felipe II, el sepulcro del emperador Carlos V y Carlos V venciendo y aplastando al furor.
Carlos V venciendo y aplastando al furor
Pintura
Correggio
Correggio era natural de Parma. Sus trabajos se caracterizan por los desnudos sensuales, el brillo frío de sus colores y el hábil manejo de los escorzos además de la originalidad en el tratamiento de la perspectiva.
- El Cisne
Las posturas son anticlásicas, por ello los cuerpos se retuercen y se establece una línea serpentinata. Existe un gran protagonismo de la luz.
Obra importante de Correggio es Júpiter y Atiope
- Parmigianino
Los pintores manieristas tienen obsesión por la profundidad, para que el espectador pueda profundizar a través de todos los espacios de la pintura. La línea que predomina será la diagonal, pero a la vez esta línea cobrará un movimiento curvilíneo que envuelve a las figuras. Podemos decir que hay dos corrientes: el manierismo académico y el manierismo revolucionario; los métodos cambiaron también. Los académicos seguían inspirando en la naturaleza, pero no directamente sino a través de los grandes maestros, lo que condujo al virtuosismo. Es verdad que se consiguió una generación de artífices casi perfectos, pero sin creación original. En cambio, en el manierismo revolucionario, los artistas fueron en parte excéntricos y atormentados. Las matemáticas, la perspectiva lineal o la relación figura y espacio fueron abandonadas. Esta corriente convino al naturalismo y a la imaginación; el espacio fue ocupado por multitud de figuras dentro de diferentes planos pictóricos. El personaje principal de la pintura será difícil de distinguir, pues casi todos tendrán la misma categoría, y a la vez el ojo pierde la situación por la multiplicidad de líneas en desequilibrio. El claroscuro no modela ya la figura, pues la luz creará ilusiones ópticas, colores intensos e iluminación teatral. Este manierismo pictórico ya lo había iniciado Miguel Ángel en el Juicio Final.
Virgen del cuello largo, de Parmigianino.
