Los Fantasmas de Goya

Luego de a ver  visto los fantasma mas de Goya, solo podemos pensar, cuanto de ficción existe en la película y  que tanto de  realidad hay en ella, por tanto decidí investigar los hechos  históricos, que pude apreciar y  encontré que efectiva mente varios de los hechos históricos eran reales. Pero  entiendo  que como toda película, tiene un drama totalmente ficticio.

Nos demuestran también  el poder y la forma de actuar de  los pensamientos napoleónicos, esto se ve reflejado claramente  cuando un soldado de alto rango acecina a una persona  dentro de la iglesia  para imponer  respeto y autoridad, posterior mente  leería la declaración de la confiscación de los bienes de la iglesia y la abolición del  santo oficio.

Francisco de Goya, pintor de la época,  solo sirve de nexo  entre los personajes para que la trama se pueda desarrollar  adecuadamente, pero su rol en la película no  es segundario. Con relación  a Inés o Alicia Bilbatúa,  aunque  fue  un personaje clave  de la trama ya que  nos indica los abusos del santo oficio  y el estatus  de la mujer del periodo , este personaje no deja de  ser parte  de la imaginación  escritor.

En conclusión puedo  decir que la película  ´los fantasmas de Goya´ representa  de una manera justa los  hechos históricos transcurridos entre 1700-1900, y  que como película se desenvuelve  adecuadamente  brindándonos  una presentación de los personajes, un nudo en la historia   y un desenlace.

Neoclasicismo

La muerte de Séneca:

Todo comienza, con la muerte de Agripina y Burro, allegados de Séneca, por lo que éste se ve debilitado y le pide a Nerón retirarse de la vida pública. Su retiro significó una persecución de Nerón, de forma que sufrió un intento de envenenamiento. Después fue acusado de conspirar y ayudar a Pisón contra Nerón, aun así fue condenado a muerte. Séneca decide cortarse las venas, los brazos y las piernas. Al ver que esto no daba resultado, le pide a su medico Eustacio Anneo que le suministre cicuta pero no le surgió ningún efecto. Finalmente, pidió ser llevado a un baño caliente, dónde el vapor terminó asfixiándolo, víctima del asma que padecía.


Leónidas en las Termopilas:

Enormemente superados en número, los griegos detuvieron el avance persa durante siete días en total , antes de que la retaguardia fuera aniquilada. Durante dos días completos de batalla, una pequeña fuerza comandada por el rey Leónidas I de Esparta bloqueó el único camino que el inmenso ejército persa podía utilizar para acceder a Grecia. Tras el segundo día de batalla, un residente local llamado Efialtes traicionó a los griegos mostrando a los invasores un pequeño camino que podían utilizar para acceder a la retaguardia de las líneas griegas. Sabiendo que sus líneas iban a ser sobrepasadas, Leónidas despidió a la mayoría del ejército griego, permaneciendo para proteger su retirada junto con 300 espartanos, 700 tesios, 400 tebanos y posiblemente algunos cientos de soldados más, la mayoría de los cuales murieron en la batalla. Se Destaca la lealtad de Leónidas a pesar de la derrota ante los persas.

El patriotismo  que demuestran tubo sus principios en  el ejemplo de virtudes que demostraban.

La muerte de Sócrates:

En esta obra se representa el momento en el que Sócrates va a tomar la cicuta, lo que va a dar como resultado su muerte. Esto se da en un contexto en el que Sócrates, un filósofo griego, es condenado a muerte, ya que había expresado sus ideas en contra de la creencia de los dioses ancestrales y por corromper a los jóvenes atenienses.  Antes de morir, pronuncia un discurso sobre la inmortalidad del alma y  acepta su condena.

Dos  años antes de la Revolución Francesa, el cuadro se pinta por, para representar cómo son castigados, todo aquel ciudadano que se oponga al rey.

Belisario pide limosna:

Esta pintura se hiso solo y único propósito de representar   la  magnitud de actos que  alcanzaría  Luis XVI contra  la persona que osara  contradecir al rey.

Las Sabinas:

Las sabinas en las batallas entre Roma y Sabinia, el pueblo de Sabinia fue uno de los tantos pueblos invitados para participar en unas pruebas deportivas organizadas por Rómulo, rey de Roma. Sin embargo,  ya que en realidad  pensaba capturar a las mujeres de los pueblos invitados, esto debido a que Roma no contaba con muchas féminas. Los sabinos, a diferencia de los demás pueblos invitados,  llevaron  consigo a sus mujeres e hijos y fueron precedidos por su  rey.

 Los sabinos atacaron Roma y se realizaron varias batallas. Una de estas llegó a su clímax y  parecía que iba a terminar, pero de repente las sabinas se interpusieron entre ambos ejércitos para que termine la guerra. Su argumento era que aunque ganase cualquiera de las partes, ellas perderían a alguien querido ,si ganaban los romanos, perdían a sus padres y hermanos, y si ganaban los sabinos, perdían a sus maridos e hijos.  Esto hizo que Tito Tacio, rey de Sabinia, y Rómulo declaren la paz y la reconciliación, por lo que ambos formaron una diarquía en Roma.

Marat asesinado:

Marat era considerado un revolucinario por apoyar al partido de robespierre mientras que su asesina Marie-Anne Charlotte de Corday (la cual aparece mencionada en el papel que sujeta Marat en su mano) fue considerada una heroina por asesinarlo y a partir de esto se le puso el apelativo de el Angel del Asesinato ,el cuadro simboliza como eran considerados los revolucionarios ante el rey.

Juramento de los Horacios:

Se pinta 5 años antes de la Revolución Francesa, porque el cuadro trata de concientizar a los pobladores franceses a mantenerse del lado del rey Luis XVI. La Intención era la de Mantenerse fiel o leal al estado más que a la familia e iglesia.

Romanticismo y Rococo

El Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable. Debido a que el romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma nación se desarrollan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes.
Se desarrolló en la primera mitad del siglo XIX, extendiéndose desde Inglaterra a Alemania hasta llegar a países como Francia, Italia, Argentina, España, México, etc. Su vertiente literaria se fragmentaría posteriormente en diversas corrientes, como el Parnasianismo, el Simbolismo, el Decadentismo o el Prerrafaelismo, reunidas en la denominación general de Posromanticismo, una derivación del cual fue el llamado Modernismo hispanoamericano. Tuvo fundamentales aportes en los campos de la literatura, la pintura y la música. Posteriormente, una de las corrientes vanguardistas del siglo XX, el Surrealismo, llevó al extremo los postulados románticos de la exaltación del yo.

El Romanticismo es una reacción contra el espíritu racional y crítico de la Ilustración y el Clasicismo, y favorecía, ante todo:

• La conciencia del Yo como entidad autónoma y, frente a la universalidad de la razón dieciochesca, dotada de capacidades variables e individuales como la fantasía y el sentimiento.
• La primacía del Genio creador de un Universo propio, el poeta como demiurgo.
• Valoración de lo diferente frente a lo común lo que lleva una fuerte tendencia nacionalista.
• El liberalismo frente al despotismo ilustrado.
• La de la originalidad frente a la tradición clasicista y la adecuación a los cánones. Cada hombre debe mostrar lo que le hace único.
• La de la creatividad frente a la imitación de lo antiguo hacia los dioses de atenas.
• La de la obra imperfecta, inacabada y abierta frente a la obra perfecta, concluida y cerrada.

Es propio de este movimiento un gran aprecio de lo personal, un subjetivismo e individualismo absoluto, un culto al yo fundamental y al carácter nacional o Volksgeist, frente a la universalidad y sociabilidad de la Ilustración en el siglo XVIII; en ese sentido los héroes románticos son, con frecuencia, prototipos de rebeldía (Don Juan, el pirata, Prometeo) y los autores románticos quebrantan cualquier normativa o tradición cultural que ahogue su libertad, como por ejemplo las tres unidades aristotélicas (acción, tiempo y lugar) y la de estilo (mezclando prosa y verso y utilizando polimetría en el teatro), o revolucionando la métrica y volviendo a rimas más libres y populares como la asonante. Igualmente, una renovación de temas y ambientes, y, por contraste al Siglo de las Luces (Ilustración), prefieren los ambientes nocturnos y luctuosos, los lugares sórdidos y ruinosos (siniestrismo); venerando y buscando tanto las historias fantásticas como la superstición.

Un aspecto del influjo del nuevo espíritu romántico y su cultivo de lo diferencial es el auge que tomaron el estudio de la literatura popular (romances o baladas anónimas, cuentos tradicionales, coplas, refranes) y de las literaturas en lenguas regionales durante este periodo: la gaélica, la escocesa, la provenzal, la bretona, la catalana, la gallega, la vasca... Este auge de lo nacional y del nacionalismo fue una reacción a la cultura francesa del siglo XVIII, de espíritu clásico y universalista, difundida por toda Europa mediante Napoleón.

El Romanticismo se expandió también y renovó y enriqueció el limitado lenguaje y estilo del Neoclasicismo dando entrada a lo exótico y lo extravagante, buscando nuevas combinaciones métricas y flexibilizando las antiguas o buscando en culturas bárbaras y exóticas o en la Edad Media, en vez de en Grecia o Roma, su inspiración.

Frente a la afirmación de lo racional, irrumpió la exaltación de lo instintivo y sentimental. «La belleza es verdad». También representó el deseo de libertad del individuo, de las pasiones y de los instintos que presenta el «yo», subjetivismo e imposición del sentimiento sobre la razón. En consonancia con lo anterior, y frente a los neoclásicos, se produjo una mayor valoración de todo lo relacionado con la Edad Media, frente a otras épocas históricas.

ROCOCO:

En el desarrollo y extensión del nuevo estilo dentro la sociedad francesa, jugó un papel clave la influencia de Jeanne Antoinette Poisson, marquesa de Pompadour y amante del rey. Su interés por el arte que, como aficionada, practicaba asesorada por François Boucher o Quentin de La Tour, se transmitió a las clases acomodadas de París. 1730 fue el periodo de mayor vitalidad y desarrollo del Rococó en Francia. El estilo se inició en la arquitectura y llegó al mobiliario, la escultura y la pintura (de entre los trabajos más significativos, encontramos los de los artistas Jean-Antoine Watteau y François Boucher). El estilo Rococó se difunde sobre todo gracias a los artistas franceses y a las publicaciones de la época.

Fue rápidamente acogido en la zona católica de Alemania, Bohemia y Austria, donde se fusiona con el Barroco germánico. En particular al sur, el Rococó germánico fue aplicado con entusiasmo en la construcción de casas y palacios; los arquitectos a menudo adornan los interiores con «nubes» de estuco blanco.

En Italia, el estilo tardobarroco de Francesco Borromini y Guarino Guarini evoluciona hacia el Rococó en Turín, Venecia, Nápoles y Sicilia, mientras el arte en la Toscana y en Roma se mantiene todavía fuertemente ligado al barroco, pero con sus características básicas muy marcadas.

En Inglaterra, el nuevo estilo fue considerado como «el gusto francés por el arte». Los arquitectos ingleses no seguirían el ejemplo de sus colegas continentales, a pesar de que la platería, la porcelana y las sedas sí estuvieron fuertemente influenciadas por el Rococó. Thomas Chippendale transformó el diseño del mobiliario inglés mediante el estudio y la adaptación del nuevo estilo. William Hogarth contribuyó a crear una teoría sobre la belleza del Rococó; sin referirse intencionadamente al nuevo estilo, afirmaba en su obra Análisis de la belleza (1753) que la curva en S presente en el Rococó era la base de la belleza y de la gracia presente en el arte y en la naturaleza.

Barroco y Manierismo

BARROCO 

Este período de revolución artística se manifestó en los campos de la escultura, arquitectura, literatura, arte y música en la mayoría de los  países europeos y americanos (no olvidemos que América se encontraba recientemente colonizada por los españoles, portugueses e ingleses).

Los motivos del surgimiento de esta nueva manifestación se dieron por varios factores, especialmente relacionados con el mayor exponente de la iglesia católica: el Vaticano. Éste se encontraba bajo duras críticas  por parte de diversos sectores, que cuestionaban sus actos de corrupción, la reforma protestante estaba haciéndose sentir, cuestionando a la iglesia católica con la existencia de la virginidad de María y la autoridad del Papa, factores que debilitaban profundamente el poder del clero.

Por otro lado, España, Portugal e Inglaterra se encontraban echando raíces en los nuevos países americanos, ganando tierras y extendiéndose hacia el nuevo mundo, dejando a Italia bajo las sombras de la corrupción y el olvido. Esto generó en el Vaticano una gran reivindicación de la cual surgieron nuevas pautas a la hora de realizar una obra artística, con motivo de generar una suerte de marketing a la iglesia, recordando directa o indirectamente, cuáles eran las bases de la casa de Dios, mediante un control ideológico manifestado por el arte.

Fue así como surgió el refuerzo de la imagen de María y el misterio de la Trinidad como protagonistas de numerosas obras artísticas. Las temáticas de los lienzos ya no fueron sobre alegorías sobre las antiguas mitologías, la ostentación de los santos y paisajes celestiales inalcanzables. Los santos ahora vestían harapos andrajosos, los mártires mostraban expresiones de dolor bajo un acertado dramatismo que emocionaban al espectador, y la imagen de la Sagrada Familia, y en especial, la de María, eran delicadamente glorificadas. Paralelamente, también nace el arte temático de naturalezas muertas, como bodegones, paisajes, e incluso costumbristas (con solo ver la imagen de Vieja friendo huevos, de Velázquez podremos darnos una idea de lo que esto significaba). Una nueva pauta que se diferenció del renacimiento,  fue que ya los rostros de los bellos modelos desaparecieron, dando lugar a expresiones naturales, resultándonos hoy en día hasta un poco chocantes.

MANIERISMO

Estilo artístico que sigue al Cinquecento y que ocupa las décadas centrales y finales del siglo XVI. Fechas significativas como las muertes de Leonardo (1519) y Rafael (1520), dos de las grandes figuras del Cinquecento, se toman como inicio de este nuevo estilo, aunque también se le relaciona con el Saco de Roma en 1527 o incluso la ruptura religiosa que su supuso la aparición del protestantismo.
Término que ha tenido cierto sentido peyorativo y que surge de la definición que críticos del siglo XVII dan de los pintores que buscan la perfección a la "maniera" de los grandes maestros del Renacimiento.

Características

Se caracteriza, en su estado más puro, por composiciones en las que se rompe el equilibrio, líneas diagonales quebradas, espacios inestables, estilizamiento de los cuerpos, con cabezas pequeñas y extremidades desproporcionadas, que ocupan todo el cuadro y que contrastan con otras pequeñas figuras en la lejanía, audaces escorzos. Gusta la línea enroscada, los colores de tintas discordantes y efectos extraños de luz. Los paisajes son irreales.

La escultura

Algunos de los grandes representantes de la escultura manierista son Benvenuto Cellini, Juan de Bolonia y la Familia Leoni.

La Arquitectura

En la arquitectura manierista, los edificios pierden la claridad de composición y pierden solemnidad con respecto al clasicismo pleno.En los edificios se multiplican los elementos arquitectónicos, auque no cumplen una función arquitectónica.La decoración gusta por compartimentar las fachadas de los edificios.

Juan de Bolonia

Juan de Bolonia es uno de los más característicos representantes del manierismo.

Algunas de sus obras son:

• Estatua de Neptuno (en una plaza de Bolonia.)

Neptuno, desnudo, es esculpido con proporciones monumentales.

• Rapto de la sabina

Es una clara muestra de la tendencia a la línea serpenteante del manierismo. Se trata de un famoso tema histórico de la antigua Roma. Los personajes están desnudos

• Mercurio

La figura desnuda de Mercurio está en un escorzo trazando, de nuevo, una línea serpenteante. Es una estatua de bronce.

Familia Leoni 

Los Leoni (Leone y Pomepeo) pasaron su vida en la Corte de Felipe II. Algunas de sus obras fueron el Sepulcro de Felipe II, el sepulcro del emperador Carlos V y Carlos V venciendo y aplastando al furor.

                                                Carlos V venciendo y aplastando al furor

Pintura

Correggio 

Correggio era natural de Parma. Sus trabajos se caracterizan por los desnudos sensuales, el brillo frío de sus colores y el hábil manejo de los escorzos además de la originalidad en el tratamiento de la perspectiva.

• El Cisne

Es una composición con paisaje, donde proliferación de figuras en una especie de friso.
Las posturas son anticlásicas, por ello los cuerpos se retuercen y se establece una línea serpentinata. Existe un gran protagonismo de la luz.
Obra importante de Correggio es Júpiter y Atiope

• Parmigianino

Su obra más importante es La Madonna del cuello largo. En esta obra las proporciones son alargadas y se emplean colores convencionales.

Los pintores manieristas tienen obsesión por la profundidad, para que el espectador pueda profundizar a través de todos los espacios de la pintura. La línea que predomina será la diagonal, pero a la vez esta línea cobrará un movimiento curvilíneo que envuelve a las figuras. Podemos decir que hay dos corrientes: el manierismo académico y el manierismo revolucionario; los métodos cambiaron también. Los académicos seguían inspirando en la naturaleza, pero no directamente sino a través de los grandes maestros, lo que condujo al virtuosismo. Es verdad que se consiguió una generación de artífices casi perfectos, pero sin creación original. En cambio, en el manierismo revolucionario, los artistas fueron en parte excéntricos y atormentados. Las matemáticas, la perspectiva lineal o la relación figura y espacio fueron abandonadas. Esta corriente convino al naturalismo y a la imaginación; el espacio fue ocupado por multitud de figuras dentro de diferentes planos pictóricos. El personaje principal de la pintura será difícil de distinguir, pues casi todos tendrán la misma categoría, y a la vez el ojo pierde la situación por la multiplicidad de líneas en desequilibrio. El claroscuro no modela ya la figura, pues la luz creará ilusiones ópticas, colores intensos e iluminación teatral. Este manierismo pictórico ya lo había iniciado Miguel Ángel en el Juicio Final.

                                                Virgen del cuello largo, de Parmigianino.

El Juicio final

Juicio final de Miguel Ángel .

Primero presentaremos una descripción de los personajes que se encuentran es este relativo fresco, este es un enorme conjunto pictórico al fresco de género religioso cuyo tema es el Juicio Final, fue basado en el libro de Juan ,apocalipsis .

El Conjunto central

Cristo:Es el epicentro de la obra. Con un enérgico y aterrador movimiento separa a los justos de los pecadores. Es uno de los pocos Cristos que se han pintado con una expresión de enojo e ira.

María. Junto a Cristo está María. Temerosa, se esconde junto a su hijo asustada por el movimiento violento que hace. Detrás de ellos hay un destello de luz así que reciben todo el enfoque además porque se encuentran en el centro.

Alrededor a ellos están varios santos, representados sin perspectiva alguna, rodeándolos por todas partes. Algunos parecen estar asustados por la acción que acaba de hacer Cristo, y otros están inquietos. Para reconocerlos, Miguel Ángel los pintó con sus característicos complementos o con los objetos con los que fueron mártires.

• San Pedro. Tiene en sus manos las llaves del Paraíso.
• San Pablo. Se le reconoce por su barba gris y su aspecto ceñudo.
• San Andrés. Sostiene una cruz en forma de "X", símbolo de su martirio.
• San Bartolomé. Tiene una piel en su mano ya que este mártir fue despellejado. Según la tradición, se dice que Miguel Ángel pintó su cara en la piel despellejada del mártir como signo de que él creía no merecer el Cielo, pues estaba atormentado.
• Santa Catalina. Usa la rueda de púas de su martirio para evitar el paso a los pecadores que intentan llegar al Cielo.
• San Sebastián. Tiene sostenidas las flechas de su martirio.
• San Lorenzo. Sostiene la parrilla de su martirio.

Ángeles: Debajo de este grupo central de Cristo, María y los Santos, se encuentra un grupo de ángeles con sus trompetas. Según el Apocalipsis, se supone que eran 7 trompetas, aunque aquí parece haber 8. Otros 2 ángeles sostienen el Libro de la Vida y el Libro de la Muerte, donde están los nombres de los salvos y los condenados respectivamente.

Multitudes laterales: Volviendo al grupo central, éstos a su vez están rodeados de una gran multitud donde se encuentra gente común. Muchos están en un ambiente de relativo pánico, no saben que hacer. Entre el tumulto, muchos están encontrando a sus familiares y amigos, y están realmente felices, algunos llegan a conmoverse, reflejado en sus lágrimas.

     

Ya estando resaltados los personajes de este fresco de Miguel Ángel , queremos denotar que, en la mitad inferior del fresco, las multitudes se dividen en dos,los que están ascendiendo al Cielo, que se encuentran al lado izquierdo y los que descienden a las tinieblas. Al lado derecho las personas que ascienden son las que estaban en la Tierra en el momento en que Cristo llama a todas las personas. Muchos están resucitando y son representados como cadáveres. Algunos ángeles ayudan a subirlos al Cielo, y más adelante, las mismas personas ayudan a otras a que asciendan. En la Tierra hay algunos demonios escondidos en cuevas. Algunos demonios intentan evitar que las personas asciendan al Cielo.

En  el fresco también se representa  el infierno y las tinieblas en la parte inferior, del lado derecho están los condenados que están siendo arrojados por ángeles y algunas personas a las Tinieblas. Muchos caen y parecen realmente estar muy desesperados. Varios son obligados a subir a la barca de Caronte con la más espantosa de las violencias. Caronte es uno de los monstruos más horribles en el cuadro. De la barca, los condenados son tirados por algunos demonios a las Tinieblas. Ahí está Minos, que según la historia, tiene la cara y las facciones de uno de los sacerdotes que criticó al fresco cuando Miguel Ángel lo mostró. Los ríos de fuego y azufre les esperan.

No queremos  no mencionar o dejar de lado los lunetos  superiores, son  dos  lunetos

en la parte superior del fresco ajenos a la situación que se viven. En el luneto izquierdo, algunos ángeles llevan la cruz de Cristo, la corona de espinas y los clavos de la Pasión. En el luneto derecho, otros ángeles llevan la columna de la flagelación de Cristo.

Queremos terminar dando nuestras propias apreciaciones del fresco de Miguel Ángel, El juicio final.

Primero, creemos firmemente que Miguel Ángel  era  uno  de los más grandes pintores de la época junto con Leonardo y Rafael .

Segundo, por la realidad que alcanza en la representación de  los personajes y paisaje, usando diferentes técnicas, solo podemos decir que la pintura en el fresco es impresionante.

Tercero.  Todos los integrantes del grupo pensamos que  al poder representar  a mas de 30 personajes y aun así mantener la calidad  y el significado que cada uno de  ellos representa, Miguel Ángel  era más  que un artista sino también un investigador del cuerpo humano.

En el último punto  pensamos que la organización de la pintura en fresco es perfecta ,el centro  donde Cristo se encuentra  está rodeada por la guía de los ángeles a los seres humanos  desde la tierra al infierno o al cielo . 

RAFFAELLO SANZIO "RAFAEL"

Su primera obra documentada fue el Retablo Baronci ,aunque hay una controversia con La resurrección de Cristo que fue realizada entre los años 1499 y 1501,  para la Iglesia de San Nicolás de Tolentino en Città di Castello, una ciudad a medio camino entre Perugia y Urbino. Evangelista di Pian di Meleto, quien había trabajado para su padre, compartió el encargo de la obra, que data de 1500 y fue terminada en 1501, hoy en día sólo quedan algunas porciones y un boceto preparatorio.[c]Durante los siguientes años pintó obras para otras iglesias, incluyendo la Crucifixión Mond , alrededor de 1503, y Los desposorios de la Virgen de la Pinacoteca di Brera, así como obras para Perugia, como el Retablo Oddi, La anunciación , La Adoración de los Magos y La coronación de la Virgen 1501-1503. Probablemente también visitó Florencia en esta época. Se trata de obras mayores, algunas de ellas como frescos, en las que Rafael limita la composición al estático estilo de Perugino. En estos años también pintó muchas pequeñas y exquisitas pinturas de caballete, la mayor parte probablemente para amantes de la pintura de la corte de Urbino, como Las Gracias, El sueño del caballero o San Miguel, y empezó a pintar Virgen con el Niño entronizados y santos.23 24 En el año de 1502 fue a Siena por invitación de otro discípulo de Perugino, Pinturicchio, "al ser amigo de Rafael y conocedor de su capacidad como artista de la más elevada calidad", porque le ayudó con las obras, y muy probablemente con los dibujos, para una serie de frescos en la Biblioteca Piccolomini de la Catedral de Siena.25 Es evidente que en esta etapa temprana de su carrera ya era un artista solicitado.

 Los desposorios de la Virgen de Rafael Sanzio. En ésta obra, se puede apreciar la influencia de Perugino en la manera de pintar del joven.

Miguel Ángel

Fue arquitecto, pintor, escultor y poeta. Desde muy niño sintió fascinación por el arte tal es así que a edad de trece años ingresa al taller de Doménico Ghirlandaio uno de los mas importantes maestros de Florencia. A pesar de seguir ciertos parámetros artistios de su maestro sintio una fascinacin por los grandes maestros del pasado como: Giotto, Massacio, Donatello. Este pintor tuvo tambien una fascinación por la anatomia, tal es asi que usaba cadáveres con el fin de mejorar su tecnica cuando estos los  representaba en su pintura y escultura. 



















Renacimiento:
Es una nueva vision de ver el mundo desde el punto de vista racional, esta corriente se aleja de lo religioso, poco le interesa. Es una época cual la razón prevalece frente a las doctrinas religisas.el hombre renacentista de esta época se vuelve intelectual e investigador,esto se puede reflejar en los grandes pintores renacentista como miguel angel,Leonardo y rafael, los cuales logran darle perspectiva, simetria y mayor realismo a su obras.
Una de sus principales características es q dios y la virgen se vuelven mas humanos.tambien es la epoca en donde aparecen inventos.